Release – SOULS.

SOULS es el proyecto de David Gledhill, músico y productor, quien magistralmente y como una cápsula del tiempo,  nos trae cantos del pasado adaptados a su propuesta.

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Entre los años veinte y años treinta del siglo pasado, Alan Lomax, junto a su padre John, viajaron por el sur de Estados Unidos grabando y recopilando la música folclórica de dicho país. Así es, gracias a los Lomax, que hoy día podemos escuchar los cantos originales de los campos de trabajo, la voz y la música, el alma de un pueblo oprimido, el afroamericano. Esos cantos que cambiarían radicalmente la música del mundo.

Gledhill, triste pero motivado por la muerte de su esposa, se dedicó a escuchar gran parte de estas grabaciones y a juntar samplers de ellas. Con las voces de mujeres y hombres de hace un siglo como base, compuso un álbum extraordinario.

El trabajo difumina la música electrónica en rock alternativo, en blues y crea algo novedoso a partir de recursos ya conocidos. Por ello Release es tan bueno, porque Gledhill no ha tenido que inventar nada, sino que, con diferentes músicas ya creadas, ha hecho algo que no se había escuchado antes.

La instrumentación del señor Gledhill es precisa, la composición, emocionante y atractiva. Es fácil disfrutar de las percusiones, del bajo y de la guitarra que siempre está.

Bendita y terrible soledad la que llevo a David Gledhill a crear Release.

 

CD en Spotify: Release – SOULS

 

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Hurdy Gurdy – Hurdy Gurdy.

Una banda de progresivo de los 70’s, que si no fuera por su ostracismo, se diría que fue influencia de muchas bandas de progresivo de la época.

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No digo que el guitarrista de este trío danés, Claus Bøhling, influyera a símbolos del rock progresivo como Gilmour o Greg Palmer, pero sí pienso que, por lo adelantado de su propuesta, si su música hubiese sido más popular, Bøhling sería referencia en el género.

Y es que Hurdy Gurdy suena a Focus y a Rush, y está en medio de ambos.

Estos daneses se mueven por el blues, por el hard rock y su progresión y su propuesta nos es dada por esos toques jazzeros que llenan todo el álbum, algunas veces con menos timidez que en otras.

Hurdy Gurdy es un álbum divertido, fácil y sin pretensiones, y sin embargo se nota sesudo y lleno de creatividad.

Me parece un trabajo adelantado a su tiempo, quizá sólo por algunos meses, pero adelantado al fin y al cabo.

La producción, producto de una re-edición del año 2002, es excelsa, y nos permite apreciar claramente cada instrumento. Lo bien que se desempeña Bøhling en la guitarra es para disfrutar una y otra vez.

Genial debut del trió danés Hurdy Gurdy, que disfrutara de cierta fama en los países nórdicos allá en los años setentas. Muy merecida y sin embargo, poca.

Músicos:

Claus Bøhling: guitarra, voces, harmónica y sitar.

Torben Forné: bajo.

Jens Marqvard Otzen: batería.

CD en Spotify: Hurdy Gurdy – Hurdy Gurdy

Cábala – Artaud.

El trío peruano Artaud, presenta 27 minutos de música de vanguardia, altamente imaginativa y de un viaje maravilloso.

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Describir la música de Artaud sería injusto, pues esta música es, más que ninguna otra, de análisis subjetivo. Para hallarle el sentido hay que entender el contexto de los músicos, un contexto raro, de poesía abstracta, de imaginativa caótica y de ideas improvisadas, pero sobretodo, de propuesta.

Lo más difícil en cualquier arte es plasmar la idea inicial en un resultado coherente. Artaud, en Cábala, lo logro grandiosamente, y por ello este trabajo me ha parecido tan maravilloso.

La música del trío peruano nos cuenta la historia de dos caballos, uno, Cábala, representado en la primera pista: jóven, vigoroso, “sale a correr por el campo totalmente desbocado a probar su salvaje carrera”. Réplica, la segunda parte del álbum: “es un caballo viejo que sabe que va a morir pero está tranquilo porque se unirá a la tierra, que conoce y reconoce como suya”.

Cábala, de Artaud, es hipnótico, entretenido y emocionante, la capacidad instrumental es sólo comparable a la capacidad compositiva que resulta en un trabajo complejo, sí, pero de los que merece la pena volver y volver, para descubrir con cada escucha algo más.

Cada instrumento nos ofrece algo innovador. Particularmente lo hecho por el bajo me ha parecido delicioso.

Músicos:

Enrique Baltodano: guitarra y theremin.

Teté Leguía: bajo.

Martín Escalante: saxofón.

Israel Tenor: percusiones.

Juan Francisco Ortega: teclado.

CD en Spotify: Cábala – Artaud

CD en Bandcamp: Cábala – Artaud

Devolver – Bader Nana.

Bader Nana es un proyecto de rock progresivo de un sólo hombre con base en Kuwait. Esta vez si que me lo he rebuscado ¿eh?

Devolver - Bader Nana

Este hombre es increíble, ha creado más de una hora de música de altísima calidad y complejidad, con letras preciosas y llena de arreglos, que hacen volar la cabeza cuando uno recuerda que lo hizo todo él mismo.

La complejidad asombrosa no proviene especialmente de la ejecución instrumental y vocal que nos regala (literal, el álbum está en coste 0 en Bandcamp) sino y, principalmente en la composición.

No es que haya descubierto el agua tibia, pero, Bader Nana ha tomado distintos elementos de la música progresiva, del rock y del metal, para hacer un trabajo que se va rapidísimo, que nunca aburre, que interesa más cada vez que se vuelve a él y que, sobretodo y a pesar de las referencias musicales, suena original.

Distintas velocidades, aún en las canciones que se asemejan más a una balada, las partes instrumentales son sublimes, llenas de matices, de cambios de ritmo, esos guiños jazzeros, ideas bien fluidas y  diferentes recursos, tanto en la selección instrumental como posteriormente en la producción.

El disco completo es un viaje, un largo viaje, para muestra lo distinta que es la primera canción (Mercenaries) de la última y colosal (Devolver).

Cuanto talento y cuanto amor por el arte hay aquí.

Imposible irse de Bancamp dejando a este precioso Devolver sin una justa retribución.

 

CD en Spotify: Devolver – Bader Nana

CD en Bandcamp: Devolver – Bader Nana

 

 

Eskapist – The Hirsch Effekt.

Si Eskapist fuera una ciudad sería Constantinopla, o para referencia más moderna, Nueva York, verdadera cosmopolita.

Álbum que necesita que dejemos nuestros prejuicios a un lado al leer las etiquetas que se le ponen, como las de djent, progresivo, jazz, etc.

Eskapist - The Hirsch Effekt

Escuché Eskapist hace dos meses y me dejó con cierto sinsabor, y es que yo leía las referencias a este disco y esperaba algo más agresivo y directo. Sin embargo apreciaba la indiscutible calidad de los músicos.

No fue hasta hace un par de días que le di otro par de escuchas más y… ¡wow!

Esta vez sin prejuicios, disfruté de la música de los alemanes de The Hirsch Effekt como tenía que ser, dejándome sorprender.

Imagino a los integrantes de la banda así: a uno le gusta el pop y las baladas, a otro el heavy metal setentero, a otro el mathcore, y así, todos llevan sus influencias, sin importar lo distantes que estas sean, al resultado final que es Eskapist.

El disco es toda una experiencia, por momentos brutal, con tintes que recuerdan a The Dillinger Escape Plan, hasta otros de un progresivo más preciosista. Sobra decir que es variado casi hasta el ridículo, pero es que no deja de sorprender la capacidad para lograr colocar de manera fluida todas las influencias de los músicos, en ningún momento se percibe algo fuera de lugar, ni tampoco se sienten forzados los cambios de dirección que el conjunto toma. No, aquí, una vez que se digieren las sorpresas y las intenciones, todo encaja bien.

Gran trabajo del grupo alemán.

 

Músicos:

Ilja John Lappin: bajo.

Moritz Jonathan Schmidt: bateria.

Nils Wittrock: guitarra y voz.

 

CD en Spotify: Eskapist – The Hirsch Effekt.

CD en Bandcamp: Eskapist – The Hirsch Effekt

 

 

¿En el lugar correcto y en el momento adecuado?

LeRoi Jones (Amiri Baraka), escritor, activista y crítico de música, vivió a finales de los años cincuenta, un piso arriba del famoso e importante Five Spot Café de la ciudad de Nueva York, donde hacia esos tiempos se presentaban cada noche; Thelonious Monk, un debutante John Coltrane, Miles Davis, Ornette Coleman, entre otros exponentes del “nuevo Jazz”, ese que la música y la sociedad negra necesitaban para reclamar lo que era suyo. El Free Jazz.

¿Qué más podría pedir un energético defensor de la verdadera música negra, crítico y escritor de Jazz, además de presenciar a unos cuantos escalones de su piso, a los nuevos precursores de esta nueva música?

Se podría decir que Baraka estaba en el lugar correcto y en el momento adecuado. ¿no?

Yo discuto eso.

Cada vez me convenzo más de que nací en una época gloriosa para escuchar música, y lo digo como aficionado y como escritor. Todos hemos oído a alguna persona afirmar que lo de su época era lo mejor, lo más importante o lo verdaderamente relevante, así pues, se ha afianzado la idea en el colectivo popular de que “la música de antes era mejor”.

Me rio de eso.

A continuación haré pequeños escritos acerca de unos cuantos discos que he escuchado estas últimas dos semanas, que muestran lo afortunado que soy por vivir en una época en la que al alcance de mi mano, tengo todo el repertorio musical de la historia del mundo (gracias internet), y que enseñan también, que la música de ahora tiene tanto que decir como la de antes.

Injuries – Angles 9 (2014)

angles 9 - Injuries

Este noneto hace un free jazz de muchísimas variaciones, tanto rítmicas, de técnicas y de distintas influencias y emociones que dan como resultado un trabajo tan increíble como disfrutable.

Le prenden fuego a todo lo que esperarías de una Big Band, pero utilizan las cenizas para llevarte melódicamente a momentos épicos, locos y de profunda experimentación, hasta otros de gran emotividad y carisma que sólo una palabra podría encasillar: original.

Third World – Gato Barbieri (1970)

The Third World - Gato Barbieri

Uno de los más referenciados músicos free jazz, el argentino Gato Barbieri ha sido siempre un músico de propuesta, que con su dominio del saxofón juntó en este álbum dos mundos alejados pero nada opuestos, el jazz europeo más experimental de los años 70´s, con el jazz latino que empezaba a ser visto por el resto del mundo.

Intensely Distressed and on the Verge of Mental Collapse – Everything is Terrible (2017)

Intensely Distressed and on the Verge of Mental Collapse - Everything Is Terrible

Intensely Distressed and on the Verge of Mental Collapse es pesado, complejo, emocionante y directo. Decir que lo que toca el grupo danés es Djent, sería limitar nuestros propios sentidos en pro de las etiquetas.

Aquí hay eso y mucho más.

Progresiones bien pensadas y muy bien interpretadas, melodía y atmósfera sin que eso signifique sacrificar la pesadez y la exhibición técnica.

Everything is Terrible hizo una obra maestra, que no está siendo volteada a ver.

Ø – Krvvla (2018)

Ø - Krvvla

Para mí, lo que separa a un músico de un mero intérprete es la creatividad que éste pueda tener. No basta con la técnica, ni con la pasión, debes tener creatividad para poder ser un artista. Así por lo menos habrás creado algo que es sólo tuyo.

El trío Krvvla de Bielorrusia ha echo 17 minutos de Black Metal instrumental que suenan a eso, a creatividad. Son 7 pistas (aunque bien uno podría pensar que es sólo una), en las que trabajan un riff principal que está ahí, pero sin ser repetitivo, juegan con los instrumentos creando estructuras oscuras y veloces, que después regresan a ese riff principal.

No es una demostración técnica sino de elegancia, y me ha gustado particularmente lo echo por el bajo, al cual le han dado un espacio remarcable, lo que para el género es raro.

Roscanna – Cuar.

Entiendo la necesidad humana de clasificar las cosas, de tener un orden y un punto de referencia, pero ¿no es muy bello cuando nos encontramos con obras que no tienen cabida en una sola sección, género o rama?

Roscanna es eso, “incatalogable.”                                                                                               Tiene una atmósfera de música folclórica irlandesa, una instrumentación y composición de música de cámara contemporánea y además todo el álbum está acompañado por ritmos y cambios que suenan a jazz.

Roscanna - Cuar

Pero yo soy un neófito escribiendo acerca de música, y analizándola también, así que para detalles más claros acerca del trabajo, me permito dejar éste link para una verdadera reseña musical: Spellbinding Music.

Lo mío es escribir de lo que, en este caso la música, me transmite.                                         El trío irlandés Cuar me hace disfrutar a cada momento de Roscanna. Dejan respirar cada instrumento, con lentas transiciones y cierta improvisación que da la impresión de no estar ahí por que si. Es un viaje fluido y constante y se siente cierto misterio conforme el trabajo avanza por cada una de las nueve piezas que lo integran, y lejos de llegar a ser aburrido, interesa más con cada escucha que se le da. Es una rica experiencia prestar atención a cada instrumento por separado y luego percatarse de como las maravillosas interpretaciones hacen al todo sonar tan bien.

Roscanna de Cuar es un gran trabajo, innovador y sincero. Creo que el trío irlandés, que debuta en formación con este trabajo, tiene un futuro muy interesante.

 

Músicos:

Neil Ó Loclainn: bajo y flauta.

Matthew Berrill: clarinete.

Aoife Ní Bhriain: violín.

 

CD en Spotify: Roscanna – Cuar.

CD en Bandcamp: Roscanna – Cuar.